Ram Kumar (1924-2018): un artista con uno sguardo

L'arte di Ram Kumar credeva nella generazione infinita della vita contro la morte.

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La quiete e la gravità che caratterizzavano Ram Kumar erano anche un segno distintivo della grandezza raggiunta dalla sua arte. La sua fama lo seguì mentre si impegnava con il mondo con compassione e i suoi dipinti, sia figurativi, come nei primi giorni, sia nelle opere astratte successive, mostravano contemporaneamente dolore e preoccupazione per la condizione dell'individuo.

Ram Kumar è stato un artista per caso. I suoi primi giorni sono stati come banchiere e poi come giornalista per un giornale di Delhi. Nel frattempo, si era iscritto ai corsi d'arte serali di Sarada Ukil. Ha anche scritto storie in hindi su individui della classe medio-bassa e sulla sordidezza delle loro vite che è stata affrontata da loro con grande forza d'animo. Avrebbe potuto continuare, ma assorbito dall'arte prese in prestito una piccola somma da suo padre e andò a Parigi dove studiò con Andre Lhote e Fernand Léger. Doveva anche unirsi al movimento pacifista e al partito comunista a Parigi.

Ram Kumar ha scelto di tornare in India nel 1952 e radicare la sua arte nel suo paese. Nei primi anni, i suoi individui solitari e alienati situati all'interno di paesaggi urbani sfilacciati, crearono la consapevolezza della difficile situazione della persona comune in una nazione in via di sviluppo appena emersa. Le figure abbandonate con i loro volti scarni e gli occhi malinconici provocavano un senso di assoluta commozione. La sua formazione a Parigi insieme alla sua associazione con il Progressive Artists Group di Mumbai e con il Delhi Shilpi Chakra, ha fornito gli allineamenti professionali necessari che gli hanno permesso di affinare i suoi strumenti artistici.

Eppure il significato di questi dipinti risiedeva nella sapiente collocazione della figura, incastonata con cura in un paesaggio semi-industriale con le sue case storte, le strade mal costruite e i cavi elettrici sporgenti, che forniscono una distanza prospettica dalla situazione dell'uomo comune. All'inizio degli anni '60, le sue visite alla città sacra di Varanasi portarono a paesaggi urbani quasi monocromatici con strutture strettamente incuneate prive di presenza umana e tenute insieme in una griglia allentata, in bilico sull'orlo della distruzione. Se Varanasi è visto come eterno e senza tempo, questi erano paesaggi urbani con case erose dal tempo, con muri scrostati e tetti rotti sull'orlo del crollo e della disintegrazione. Eppure, tutto era tenuto insieme da un telaio fragile e tenace. Dipingerà Varanasi in condizioni e luci diverse e diventerà un motivo ricorrente nel suo lavoro.

Trovando la forma rappresentativa troppo restrittiva, si volse verso l'astrazione, dove le case si dissolvevano in grandi e ampie pennellate di grigio, nero e bianco e il paesaggio spazzato dal vento sembrava muoversi quasi di sua spontanea volontà verso un più grande vortice di ribollente rotazione. Seguì una maggiore libertà di composizione quando questi tratti di vernice si alleggerirono e raggiunsero la galleggiabilità nelle onde ocra e blu oltremare, che spazzavano la tela.

La sensualità di questi tratti sarebbe annegata in un letto di bianco, mentre si muoveva verso la rappresentazione minimale dove un segno occasionale alleviava le grandi distese di bianco. L'artista aveva interiorizzato i paesaggi scintillanti della sua infanzia a Shimla e ciò che aveva vissuto durante le successive visite in Ladakh e li aveva presentati in diverse angolazioni sullo stesso piano. I ghiacciai scintillanti, i fiumi che scorrono e le foreste ai piedi dell'Himalaya sono evocati in movimenti ampi che sembrano irradiare luce e tuttavia sono sempre contrapposti a tonalità più scure e cupe.

Nei suoi ultimi anni, le opere meditabonde di Ram Kumar vedono l'emergere di spicchi di rossi e verdi mentre raggiunge una libertà ancora maggiore con i suoi colori. Un ramoscello, un pezzetto di tegola rotta, darebbe un barlume di tempesta sotto la superficie radiante. Il lirismo dell'opera è accompagnato dalla sua strutturazione disciplinata, che conferisce ai suoi dipinti un'armonia interiore e una grazia. La fusione di spazi privati ​​e pubblici che caratterizzano il suo linguaggio lo rendono anche distintivo e ci offrono rari scorci nella vita della gente comune che una volta suggeriva così vividamente nei suoi solitari abitanti delle città.

Quando gli è stato chiesto se i suoi racconti avevano qualche attinenza con i suoi dipinti, ha affermato con enfasi che ognuno aveva il suo posto. Eppure sia i racconti che i dipinti riflettono la vita umile e monotona della gente comune, con le insidie ​​che affrontano e la resilienza che dimostrano: una miriade di vite che alla fine si intrecciano per fornire, per così dire, l'impalcatura per l'India di oggi.

Con la sua scomparsa all'età di 94 anni, abbiamo perso uno degli ultimi membri della generazione epica - quegli uomini magistrali con le loro convinzioni artistiche - che credevano nell'infinita generazione della vita contro la morte. E la grazia del loro impegno con le persone contro grandi probabilità che sarà commemorata.